sexta-feira, 20 de março de 2015

MUSICAL MEDIEVAL HISTORIA

                               
                             Música Medieval

Períodos de música clássica ocidental
AD  / CECedo
Medieval         c. 500-1400
Renascença     c. 1400-1600
A prática comum
Barroco           c. 1600-1760
Clássico           c. 1730-1820
Romântico       c. 1780-1910
Moderna e contemporânea
Moderno          c. 1890-1930
Século 20        1901-2000
Contemporâneo          c. 1975- presente
Século 21        2001- presente
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Cristãos e muçulmanos jogando alaúdes em uma miniatura de Cantigas de Santa Maria de Alfonso X
Música medieval é música ocidental escrito durante as Idade Média . Esta época começa com a queda do Império Romano no século V e termina em algum momento no início do século XV. Estabelecer o fim da era medieval e início do Renascimento é difícil; o uso neste artigo é o normalmente adotado por musicólogos. [ palavras de doninhas ]
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1 Overview
1.1 Instruments
1.2 Gêneros
1.3 Teoria e notação
1.3.1 Notation
1.3.2 teoria musical
1.3.2.1 Rhythm
1.3.2.2 Polyphony
2 música medieval precoce (antes 1150)
2.1 tradições chant adiantados
2.2 polifonia Antecipado: organum
2.3 o drama litúrgico
2.4 goliardos
3 alta música medieval (1.150-1.300)
3.1 Ars Antiqua
3.2 Cantigas de Santa Maria
3.3 Trovadores e trouveres
3.4 Trovadorismo
4 música medieval tardio (1300-1400)
4.1 França: Ars Nova
4.2 Itália: Trecento
4.3 Alemanha: Geisslerlieder
4.4 Maneirismo e Ars Subtilior
4.5 A transição para o Renascimento
5 Estudo e formação profissional
6 Influência na música contemporânea
7 Veja também
8 Referências
9 Leitura
10 Ligações externas
Visão geral [ editar ]
Instruments [ editar ]

Um músico toca o vielle em um século XIV Medieval manuscrito
Os instrumentos utilizados para executar a música medieval ainda existem, mas em diferentes formas. A flauta uma vez foi feita de madeira , em vez de prata ou outros metais , e pode ser feita como um instrumento soprado-soprado-lado ou extremidade. O gravador tem mais ou menos manteve a sua forma passado. O Gemshorn é semelhante ao gravador em ter furos para os dedos na parte da frente, embora seja efectivamente um membro da ocarina família. Um dos antecessores da flauta, a flauta pan , era popular nos tempos medievais, e é, possivelmente, da Hellenic origem. Tubos deste instrumento eram feitas de madeira, e foram formados em comprimento para produzir diferentes tons.
Música Medieval usa muitos depenados instrumentos de corda , como o alaúde , mandore , Gittern e saltério . Os dulcimers , semelhante em estrutura ao saltério e cítara , foram originalmente arrancado, mas tornou-se atingido, no século 14, após a chegada da nova tecnologia que tornou possível cordas de metal.
O curvou lyra do Império Bizantino foi o primeiro europeu registrou curvou instrumento de cordas. O persa geógrafo Ibn Khurradadhbih do século 9 (d. 911) citou a lyra Bizantino , em sua discussão lexicográfico de instrumentos como um instrumento curvou equivalente ao árabe rabab e instrumento típico dos bizantinos, juntamente com o urghun ( órgão ), shilyani ( provavelmente um tipo de harpa ou lira ) eo salandj (provavelmente uma gaita de foles ). [ 1 ] A sanfona foi (e ainda é) um mecânico violino usando uma roda de madeira rosined ligado a uma manivela para "arco" suas cordas. Instruments, sem caixas de som como o harpa mandíbula também eram populares na época. As primeiras versões do órgão , violino (ou vielle ) e trombone (o chamado da cítara ) existiu.
Gêneros [ editar ]
Mais informações: canto gregoriano , Ars Nova , Organum , Motet , Madrigal , Canon (música) e Ballata
Música medieval era ao mesmo tempo sagrado e secular . [ 2 ] Durante o período medieval anterior , o litúrgica gênero, predominantemente canto gregoriano , era monofônico . [ 3 ] Polyphonic gêneros começou a se desenvolver durante a era medieval alta , tornando-se prevalente pela 13ª tarde e início século 14. O desenvolvimento de tais formas é freqüentemente associada com o Ars Nova .
As primeiras inovações em cima do cantochão monofônico foram heterofónica . O Organum , por exemplo, expandiu plainchant melodia utilizando uma linha de acompanhamento, cantada em um determinado intervalo , com uma alternância resultante entre polifonia e monophony. [ 4 ] Os princípios da data organum de volta a um trato anônimo do século 9, o Musica enchiriadis , que estabeleceu a tradição de duplicação de um cantochão preexistentes em movimento paralelo, no intervalo de uma oitava, um quinto ou quarto. [ 5 ]
De maior sofisticação foi o motete , que se desenvolveu a partir da clausula de gênero medieval cantochão e se tornaria a mais popular forma de polifonia medieval. [ 6 ] Enquanto os primeiros motetos foram litúrgica ou sagrado, até o final do século XIII, o gênero havia se expandido para incluir temas seculares, como o amor cortês .
Durante o Renascimento , o gênero secular italiano do Madrigal também se tornou popular. Similar ao caráter polifônico do moteto, madrigais destaque maior fluidez e movimento na linha principal. A forma madrigal também deu origem a cânones , especialmente na Itália, onde eles foram compostas sob o título Caccia. Eram peças seculares de três partes, que contou com as duas vozes mais altas em cânone, com um acompanhamento de longo nota instrumental subjacente. [ 7 ]
Por fim, a música puramente instrumental também desenvolveu durante este período, tanto no contexto de uma tradição teatral crescendo e para tribunal consumo. A música de dança, muitas vezes improvisado em torno tropos familiares, foi o maior gênero puramente instrumental. [ 8 ] A secular Ballata , que se tornou muito popular no Trecento Itália, teve suas origens, por exemplo, em medieval dance music instrumental. [ 9 ]
Teoria e notação [ editar ]
Durante o período medieval foram lançadas as bases para as práticas de notação e teóricos que iria moldar música ocidental no que ela é hoje. A mais óbvia delas é o desenvolvimento de um sistema de notação abrangente; No entanto, os avanços teóricos, particularmente no que diz respeito ao ritmo e polifonia, são igualmente importantes para o desenvolvimento da música ocidental.
Notation [ editar ]
A primeira música Medieval não têm qualquer tipo de sistema de notação. As músicas eram principalmente monofônicos e transmitida pela tradição oral. [ 3 ] No entanto, esta forma de notação só serviu como uma ajuda de memória para um cantor que já conhecia a melodia. [ 10 ] Além disso, como Roma tentou centralizar as várias liturgias e estabelecer rito romano como a tradição principal a necessidade de transmitir essas idéias chant através de grandes distâncias efetivamente foi igualmente gritante. [ 11 ] O primeiro passo para corrigir esse problema veio com a introdução de vários sinais escritos acima dos textos canto, chamados neumes . [ 3 ] A origem da neumes não é clara e sujeita a algum debate; no entanto, a maioria dos estudiosos concorda que os seus antepassados ​​mais próximos são os sinais gramaticais gregas e romanas clássicas que indicaram pontos importantes de declamação, registrando a ascensão e queda da voz. [ 12 ] Os dois sinais básicos dos gramáticos clássicos foram o acutus , /, indicando uma elevação da voz, eo gravis , \, indicando uma redução. Estes eventualmente evoluiu para os símbolos básicos para neumatic notação, o virga (ou "rod"), o que indica uma nota mais alta e ainda parecia o acutus de onde veio; e o punctum (ou "ponto") que indica uma nota mais baixa e, como o nome sugere, reduziu o gravis símbolo para um ponto. [ 12 ] Estes o acutus eo gravis poderiam ser combinados para representar inflexões vocais gráficas na sílaba [ 13 ] Este tipo de notação parece ter desenvolvido mais cedo do que o século VIII, mas pelo nono foi firmemente estabelecida como o principal método de notação musical. [ 14 ] A notação básica da virga e punctum manteve os símbolos para o indivíduo notas, mas outros neumes breve desenvolvidos que mostrou várias notas unidas. Estes novos neumas -chamado ligaduras-são, essencialmente, as combinações dos dois sinais originais. [ 15 ] Esta básica neumatic notação só podia especificar o número de notas e se moveu para cima ou para baixo. Não havia nenhuma maneira para indicar campo exata, qualquer ritmo, ou até mesmo a nota de partida. Estas limitações são mais uma indicação de que os neumas foram desenvolvidos como ferramentas para apoiar a prática da tradição oral, em vez de suplantá-lo. No entanto, apesar de ter começado como um mero auxiliar de memória, a pena de ter a notação mais específico logo se tornou evidente. [ 14 ]
A próxima desenvolvimento em notação musical foi "heighted neumes , no qual " neumes foram cuidadosamente colocados em diferentes alturas em relação ao outro. Isto permitiu que os neumes para dar uma indicação aproximada do tamanho de um dado intervalo, bem como a direcção. Isto levou rapidamente a uma ou duas linhas, cada uma representando uma nota especial, a ser colocada sobre a música com todos os neumes relativas de volta para eles. No início, estas linhas não tinham nenhum significado especial e, em vez tinha uma carta colocada no início, indicando que nota foi representado. No entanto, as linhas que indicam meio C e F a um quinto abaixo lentamente tornou-se mais comum. Tendo sido a primeira meramente riscado no pergaminho, as linhas já foram desenhadas em duas tintas de cores diferentes: vermelho geralmente para F, e amarelos ou verdes para C. Este foi o início da equipe musical tal como a conhecemos hoje. [ 16 ] A conclusão da equipe de quatro linhas é geralmente creditado a Guido d 'Arezzo (c. 1000-1050), um dos teóricos musicais mais importantes da Idade Média. Embora as fontes mais antigas atribuem o desenvolvimento da equipe de Guido, alguns estudiosos modernos sugerem que ele agiu mais como um codificador de um sistema que já estava sendo desenvolvido. De qualquer forma, esta nova notação permitiu um cantor de aprender peças completamente desconhecido para ele em um período muito curto de tempo. [ 11 ] [ 17 ] No entanto, apesar de notação chant tinha progredido em muitos aspectos, um problema fundamental permaneceu: ritmo. O neumatic sistema de notação, mesmo em seu estado totalmente desenvolvido, não define claramente qualquer tipo de ritmo para o canto de notas. [ 18 ]
Teoria musical [ editar ]
A teoria da música do período Medieval viu vários avanços mais prática anterior, tanto no que diz respeito ao material tonal, textura e ritmo.
Rhythm [ editar ]
Quanto ritmo , este período teve várias mudanças dramáticas em ambas sua concepção e notação. Durante o período medieval não havia nenhum método para anotar o ritmo, e, assim, a prática rítmica desta música antiga está sujeito a um debate acalorado entre os estudiosos. [ 18 ] O primeiro tipo de sistema rítmico escrito desenvolvido durante o século 13 e foi baseado em um série de modos. Este plano rítmico foi codificada pelo teórico de música de Johannes Garlandia , autor do De Mensurabili Musica (c.1250), o tratado que definiu e elucidou mais completamente esses modos rítmicos . [ 19 ] Em seu tratado de Johannes Garlandia descreve seis espécies de mode, ou seis maneiras diferentes em que anseia e breves podem ser organizadas. Cada modo estabelece um padrão rítmico em batidas (ou tempora ) dentro de uma unidade comum de três tempora (um Perfectio ) que se repete uma e outra vez. Além disso, a notação sem texto é baseado em cadeias de ligadura s (as notações característica pela qual grupos de notas estão vinculados um ao outro). O modo rítmico pode geralmente ser determinado pelos padrões de ligaduras utilizados. [ 20 ] Uma vez que um modo rítmico tinha sido atribuído a uma linha melódica, houve geralmente pouco desvio de modo que, embora os ajustes rítmicas podia ser indicado por alterações no padrão esperado de ligaduras, até mesmo a ponto de mudar para outro modo rítmica. [ 21 ] O próximo passo para a frente, relativa ritmo veio do alemão teórico Franco de Colônia . Em seu tratado Ars cantus mensurabilis ("The Art of mensurable Music"), escrito por volta de 1280, ele descreve um sistema de notação em que as notas de diferentes formatos têm completamente diferentes valores rítmicos. Esta é uma mudança marcante do sistema anterior de de Garlandia. Considerando que, antes do comprimento da nota individual pode ser recolhida a partir do próprio modo, esta nova relação invertido feito o modo dependente-e-determinada por as notas individuais ou figurae que têm valores duracionais incontestáveis, [ 22 ] uma inovação que tinha um enorme impacto sobre a história subsequente da música europeia. A maior parte da música escrita sobrevivente do século 13 usa os modos rítmicos, conforme definido pelo Garlandia. O passo na evolução do ritmo veio depois da virada do século 13, com o desenvolvimento do Ars Nova estilo.
O teórico que está mais bem reconhecida no que diz respeito a este novo estilo é Philippe de Vitry , famoso por ter escrito o Ars Nova ("New Art") tratado em torno de 1320. Este tratado sobre música deu o seu nome ao estilo da época inteira. [ 23 ] Em alguns aspectos, o moderno sistema de notação rítmica começou com Vitry, que quebrou completamente livres da idéia mais velho dos modos rítmicos. Os antecessores de notação de metros tempos modernos também têm origem no Ars Nova . Este novo estilo foi claramente construído sobre o trabalho de Franco de Colónia. No sistema de Franco, a relação entre uma breve e uma semibreves (isto é, breves meia) foi equivalente à que existe entre uma breve e uma longa, e, uma vez que para ele modus sempre foi perfeito (agrupados em grupos de três), o tempus ou batida era também inerentemente perfeito e, portanto, continha três semibreves. Por vezes, o contexto do modo iria exigir um grupo de apenas dois semibreves, no entanto, estes dois semibreves seria sempre um comprimento normal e de um comprimento duplo, tendo assim o mesmo espaço de tempo, e preservando assim a subdivisão perfeito do tempus . [ 24 ] Esta divisão ternária realizada para todos os valores de nota. Em contraste, o Ars Nova período introduziu duas mudanças importantes: a primeira era uma subdivisão ainda menor de notas (semibreves, poderia agora ser dividida em minim ), eo segundo foi o desenvolvimento de "mensuração". Mensurações poderiam ser combinadas de várias maneiras para produzir os agrupamentos métricos. Esses agrupamentos de mensurações são os precursores da medidor simples e composto. [ 25 ] Na época da Ars Nova , a divisão perfeita do tempus não era a única opção como divisões duple tornou-se mais aceito. Para Vitry a breve poderia ser dividida, por uma composição inteira, ou de uma secção, em grupos de dois ou três semibreves menores. Desta forma, o tempus (o termo que veio a designar a divisão da breve) poderia ser "perfeito" ( Tempus perfectus ) com subdivisão ternária, ou "imperfeito" ( Tempus imperfectus ) com subdivisão binária. [ 26 ] Em De forma semelhante, a divisão do semibreve (denominado prolation ) pode ser dividido em três níveis mínimos ( prolatio perfectus ou maior prolation) ou dois mínimos ( imperfectus prolatio ou menor prolation) e, no nível superior, o longs divisão (chamado modus ) poderia ser três ou dois breves ( modus perfectus ou o modo perfeito, ou modus imperfectus modo imperfeito, respectivamente, ou). [ 27 ] [ 28 ] Vitry levou isso um passo adiante, indicando o bom divisão de uma determinada peça no início através do uso de um " sinal de mensuração ", equivalente ao nosso moderno" assinatura de tempo. [ 29 ] Tempus perfectus foi indicado por um círculo, enquanto tempus imperfectus foi indicado por um semi-círculo [ 29 ] (nosso atual "C" como um stand-in para o 4 / 4 assinatura de tempo é realmente um resquício dessa prática, não uma abreviação de "tempo comum", como popularmente se acredita). Embora muitas dessas inovações são atribuídas a Vitry, e um pouco presente no Ars Nova tratado, foi um contemporâneo e pessoal familiaridade-of de Vitry, chamado Johannes de Muris ( Jehan des Mars ), que ofereceu o tratamento mais abrangente e sistemática de as inovações mensural do Ars Nova [ 25 ] (para uma breve explicação sobre a notação mensural em geral, consulte o artigo Renaissance música ). Muitos estudiosos, alegando falta de provas attributory positivo, agora considerar tratado "de Vitry" de ser anônimo, mas isso não diminui sua importância para a história da notação rítmica. No entanto, isso faz com que o primeiro estudioso definitivamente identificável para aceitar e explicar o sistema mensural que ser de Muris, que pode ser dito ter feito para ele o que Garlandia fez para os modos rítmicos.
Para a duração do período medieval, a maioria das músicas seria composta principalmente em tempus perfeito, com efeitos especiais criados por seções do tempus imperfeita; há uma grande controvérsia atual entre os musicólogos se tais secções foram realizadas com um breve iguais ou se mudou, e em caso afirmativo, em que proporção. Este Ars Nova estilo continuou a ser o sistema rítmico primário até que os trabalhos altamente sincopados dos Ars Subtilior no final do século 14, caracterizada por níveis extremos de complexidade notational e rítmica. [ 30 ] Esta sub-gêneros empurrou a liberdade rítmica fornecido pela Ars Nova para os seus limites, com algumas composições com diferentes vozes escritos em diferentes assinaturas tempus simultaneamente. A complexidade rítmica que foi realizado nesta música é comparável ao que, no século 20. [ 31 ]
Polyphony [ editar ]
De igual importância para a história geral de teoria musical ocidental foram as mudanças texturais que vieram com o advento da polifonia. Esta prática em forma de música ocidental na música harmonicamente dominado que conhecemos hoje. [ 32 ] As primeiras contas deste desenvolvimento textual foram encontrados em dois tratados anônimos ainda amplamente divulgado na música, o Musica eo Scolica enchiriadis . Estes textos são datadas em algum momento durante a última metade do século IX. [ 33 ] Os tratados descrevem uma técnica que já parecia estar bem estabelecida na prática. [ 33 ] Esta polifonia precoce é baseada em três simples e três intervalos compostos. O primeiro grupo compreende quartas, quintas e oitavas; enquanto o segundo grupo tem oitavas duplas oitavas-PLUS-quintos mais quartos oitavas-de, e. [ 33 ] Esta nova prática é dado o nome organum pelo autor dos tratados. [ 33 ] Organum podem ainda ser classificados de acordo com o período de tempo em que foi escrito. O início organum como descrito no enchiriadis pode ser denominado "rigorosa organum " [ 34 ] estrita organum pode, por sua vez, ser subdivididas em dois tipos: diapente (organum no intervalo de um quinto) e Diatesseron (organum no intervalo de um quarta). [ 34 ] No entanto, ambos os tipos de estrita organum teve problemas com as regras musicais da época. Se qualquer um deles em paralelo um canto original para muito tempo (dependendo do modo) um tritone resultaria. [ 35 ] Este problema foi ligeiramente ultrapassado com a utilização de um segundo tipo de organum . Este segundo estilo de organum foi chamado de "livre organum ". Seu fator diferencial é que as peças não têm de se mover apenas em movimento paralelo, mas também pode se mover em oblíqua, ou movimento contrário. Isso tornou muito mais fácil evitar o temido trítono. [ 36 ] O estilo final de organum que desenvolveu era conhecido como " melismatic organum ", que foi uma partida bastante dramático do resto da música polifónica até este ponto. Este novo estilo não foi nota contra nota, mas foi bastante uma linha sustentada acompanhada por uma linha melismatic florido. [ 37 ] Este último tipo de organum também foi incorporado pelo mais famoso compositor polifônico deste tempo- Léonin . Ele uniu esse estilo com medidas discant passagens, que utilizaram os modos rítmicos para criar o auge do organum composição. [ 37 ] Esta fase final de organum é por vezes referido como Notre Dame escola de polifonia, uma vez que foi onde Léonin (e seu aluno Pérotin ) estavam estacionados. Além disso, este tipo de polifonia influenciado todos os estilos posteriores, com os gêneros polifônico depois de motetos de partida como um tropo de Notre Dame existentes Organums .
Outro elemento importante da teoria da música Medieval foi o sistema tonal único pelo qual arremessos foram arranjados e compreendido. Durante a Idade Média, esta disposição sistemática de uma série de tons inteiros e semitons, que hoje chamamos de uma escala , era conhecido como um modo . O sistema modal funcionou como as escalas de hoje, de modo que desde que as regras e materiais de escrita melódica. [ 38 ] Os oito modos de igreja são: Dorian , Hypodorian , frígio , Hypophrygian , Lídio , Hypolydian , Mixolydian e Hypomixolydian . [ 39 ] Grande parte da informação relativa a estes modos, bem como a aplicação prática deles, foi codificada no século 11 pelo teórico Johannes Afflighemensis . Em seu trabalho, ele descreve três elementos definidores para cada modo. O finalis , o tom de recitação, e do intervalo. O finalis é o tom que serve como o ponto focal para o modo. Também é quase sempre utilizada como o tom final (daí o nome). O tom de recitação (por vezes referido como o tenor ou confinalis ) é o tom que serve como o ponto focal primária na melodia (particularmente internamente). É também geralmente o tom mais repetida em peça, e, finalmente, o intervalo (ou Ambitus ) é os tons máximos proscrito de um determinado modo. [ 40 ] Os oito modos podem ainda ser divididas em quatro categorias, com base nos seus finais ( finalis ). Medieval teóricos chamados esses pares maneriae e rotulou-os de acordo com os números ordinais gregos. Esses modos que se d, e, f, g e como o seu final, são colocados em grupos protus , deuterus , Tritus , e tetrardus respectivamente. [ 41 ] Estes podem então ser ainda mais dividido com base em se é o modo de "autêntica" ou " plagal. " Estas distinções lidar com a faixa de modo a, em relação ao último. Os modos autênticos têm uma gama que é de cerca de uma oitava (um tom acima ou abaixo é permitido) e começar no final, ao passo que os modos plagais, enquanto ainda cobrindo cerca de uma oitava, iniciar uma quarta perfeita abaixo da fé. [ 42 ] Outro aspecto interessante do sistema modal é o subsídio universal para alterar B para BB não importa o que o modo. [ 43 ] A inclusão desse tom tem vários usos, mas que parece ser particularmente comum é, a fim de evitar dificuldades melódicas causado, mais uma vez , pelo trítono. [ 44 ]
Estes modos eclesiásticos, embora tenham nomes gregos, têm pouca relação com os modos estabelecidos pelos teóricos gregos. Em vez disso, a maior parte da terminologia parece ser uma apropriação indevida por parte dos teóricos medievais [ 39 ] Embora os modos da igreja não têm relação com os modos gregos antigos, a superabundância de terminologia grega aponta para uma origem interessante possível nas melodias litúrgicas do Bizantino tradição. Este sistema é chamado Oktoechos e também é dividido em oito categorias, chamado echoi . [ 45 ]
Para os teóricos específicos de música medieval, veja também: Isidoro de Sevilha , Aureliano de Réôme , Odo de Cluny , Guido de Arezzo , Hermannus Contractus , Johannes Cotto (Johannes Afflighemensis), Johannes de Muris , Franco de Colônia , Johannes de Garlandia (Johannes Gallicus) , Anonymous IV , Marchetto da Padova (Marchettus de Pádua), Jacques de Liège , Johannes de Grocheo , Petrus de Cruce (Pierre de la Croix), e Philippe de Vitry .
Música antiga medieval (antes de 1150) [ editar ]
Tradições de canto primeiros [ editar ]
Ver artigo principal: Plainsong
Veja também: canto gregoriano
Chant (ou cantochão ) é um monofônico forma sagrado, que representa a primeira música conhecida da igreja cristã.
Chant desenvolvidos separadamente em vários centros europeus. Embora o mais importante eram Roma , Hispania , Gália , Milan , e Irlanda , havia outros também. Estes cânticos foram todos desenvolvidos para apoiar as liturgias regionais utilizado na celebração da missa. Cada área desenvolveu seus próprios cânticos e as regras para a celebração. Em Espanha e Portugal , moçárabe chant foi usado e mostra a influência da música norte-Africano . A liturgia moçárabe mesmo sobreviveu através muçulmano regra, embora este foi um fio isolado e essa música foi posteriormente suprimida em uma tentativa de impor a conformidade em toda a liturgia. Em Milão, o canto ambrosiano , em homenagem a St. Ambrose , era o padrão, enquanto Benevento chant desenvolvido em torno de Benevento , outro centro litúrgico italiano. chant galicano foi usada na Gália, e chant Celtic na Irlanda e na Grã-Bretanha.
Cerca de AD 1011, a Igreja Católica Romana queria padronizar a missa e cantar. Neste momento, Roma era o centro religioso da Europa ocidental, e Paris era o centro político. O esforço de padronização consistiu principalmente de combinar estes dois ( romanas e galicanas liturgias regionais). Este corpo de canto se tornou conhecido como o canto gregoriano. Nos séculos 12 e 13, o canto gregoriano tinha substituído todos os outros tradições chant ocidentais, com exceção do canto ambrosiano em Milão e o canto moçárabe em algumas capelas espanholas especialmente designados.
Polifonia Antecipado: organum [ editar ]
Ver artigo principal: Organum
Por volta do final do século 9, cantores em mosteiros, como St. Gall na Suíça começou a experimentar com a adição de uma outra parte para o canto, geralmente uma voz em movimento paralelo , cantando principalmente em perfeitas quartos ou quintos acima da melodia inicial (ver intervalo ). Este desenvolvimento é chamada organum e representa o início de harmonia e, em última análise, de contraponto . Ao longo dos próximos séculos, organum desenvolvido de várias maneiras.
O mais significativo destes desenvolvimentos foi a criação do "organum florido" por volta de 1100, também conhecida como a escola de St. Martial (em homenagem a um mosteiro no centro-sul da França, que contém o manuscrito mais bem preservados deste repertório). Em "organum florido" a melodia original poderia ser cantada em notas longas, enquanto uma voz que acompanha cantava muitas notas a cada um dos originais, muitas vezes de uma forma muito elaborada, sempre enfatizando o perfeito consonâncias (quartas, quintas e oitavas) , como no organa anterior. Desenvolvimentos posteriores de organum ocorreu na Inglaterra, onde o intervalo do terceiro foi particularmente favorecido, e onde organa provavelmente foram improvisados ​​contra um cântico melodia existente, e em Notre Dame em Paris, o que era para ser o centro da atividade criativa musical em todo o décimo terceiro século.
Grande parte da música do início do período medieval é anônimo . Alguns dos nomes podem ter sido poetas e letristas, e as músicas para que eles escreveram palavras podem ter sido compostas por outras pessoas. Atribuição de música monofônico do período medieval nem sempre é confiável. Manuscritos sobreviventes deste período incluem o Musica enchiriadis , Codex Calixtinus de Santiago de Compostela , eo Winchester Troper .
Para obter informações sobre compositores ou poetas específicos escrita durante o período medieval, ver o Papa Gregório I , St. Godric , Hildegard de Bingen , Hucbald , Notker Balbulus , Odo de Arezzo , Odo de Cluny , e Tutilo .
O drama litúrgico [ editar ]
Ver artigo principal: o drama litúrgico
Outra tradição musical da Europa originada durante a Alta Idade Média foi o drama de litúrgica . Em sua forma original, pode representar uma sobrevida de Roman drama com histórias cristãs - principalmente o Evangelho , a Paixão , e as vidas dos santos - enxertada sobre. Cada parte da Europa tinham algum tipo de tradição do drama musical ou semi-musical na Idade Média, com a participação de agir, falar, cantar e acompanhamento instrumental em alguma combinação. Estes dramas provavelmente foram realizadas por viagem de atores e músicos. Muitos foram preservados o suficiente para permitir a reconstrução moderna e desempenho (por exemplo, a reprodução de Daniel , que foi recentemente gravado).
Goliardos [ editar ]
Ver artigo principal: goliardos
Os goliardos eram itinerante poeta -musicians da Europa a partir do décimo para o meio do século XIII. A maioria eram estudiosos ou eclesiásticos , e eles escreveram e cantaram em latim. Embora muitos dos poemas sobreviveram, muito pouco da música tem. Eles foram possivelmente influente - mesmo de forma decisiva para que - no trovador - Trouvere tradição que viria a seguir. A maior parte de sua poesia é secular e, enquanto algumas das canções comemorar ideais religiosos, outros são francamente profano, lidando com a embriaguez, devassidão e libertinagem.
Uma das fontes mais importantes existentes de goliardos canções é o Carmina Burana .
Música alta medieval (1150-1300) [ editar ]
Ars Antiqua [ editar ]
Ver artigo principal: Ars Antiqua
O florescimento da escola Notre Dame de polifonia de todo 1150-1250 correspondeu às conquistas igualmente impressionantes em arquitetura gótica : na verdade o centro da atividade foi na catedral de Notre Dame em si. Às vezes, a música deste período é chamado a escola parisiense, ou organum parisiense, e representa o início do que se convencionou chamar de Ars Antiqua . Este foi o período em que rítmica notação apareceu pela primeira vez na música ocidental, principalmente um método baseado em contexto de notação rítmica conhecidos como os modos rítmicos .
Este foi também o período em que conceitos de formal de estrutura desenvolvida, que estavam atentos a proporção, textura e efeito arquitetônico. Compositores do período alternado organum florida e discant (mais nota-contra-note, em oposição à sucessão de melismas many-nota contra notas de longa data encontradas no tipo florido), e criou várias novas formas musicais: clausulae , que eram melismáticas seções de organa extraído e equipado com novas palavras e posterior elaboração musical; conductus , o que era uma canção para uma ou mais vozes a ser cantado ritmicamente, muito provavelmente em uma procissão de algum tipo; e tropos , que eram adições de novas palavras e, por vezes, a música nova para as seções de cânticos antigos. Todos esses gêneros salvar um baseavam-se cântico; isto é, uma das vozes, (geralmente três, embora às vezes quatro) quase sempre o menor (o tenor neste momento) cantou uma melodia do canto, embora com comprimentos de nota livremente compostas, sobre os quais as outras vozes cantaram organum. A excepção a isto foi a conductus método, uma composição de duas voz que foi composta livremente na sua totalidade.
O moteto , uma das formas musicais mais importantes da alta Idade Média e do Renascimento, desenvolvido inicialmente durante o período de Notre Dame para fora da clausula, especialmente a forma usando múltiplas vozes como elaborado por Pérotin , que abriu o caminho para esta particularmente através da substituição muitos de seu antecessor (como cânone da catedral) Léonin clausulae florido longa 's com substitutos em um estilo discant. Aos poucos, passou a haver livros inteiros desses substitutos, disponíveis para serem montados dentro e fora dos vários cantos. Uma vez que, na verdade, não eram mais do que pode, eventualmente, ter sido usado em contexto, é provável que o clausulae chegou a ser executados de forma independente, ou em outras partes da Missa, ou em devoções particulares. O clausulae, assim praticado, tornou-se o moteto quando troped com palavras não-litúrgicas, e foram desenvolvidos em uma forma de grande elaboração, sofisticação e sutileza no século XIV, o período de Ars Nova .
Sobrevivendo manuscritos a partir desta época incluem o Montpellier Codex , Bamberg Codex , e Las Huelgas Codex .
Compositores desta época incluem Léonin , Pérotin , W. de Wycombe , Adam de St. Victor , e Petrus de Cruce (Pierre de la Croix). Petrus é creditado com a inovação de escrever mais de três semibreves para ajustar o comprimento de um breve. Vindo antes de a inovação do tempus imperfeitos, esta prática inaugurou a era do que agora são chamados de motetos "Petronian". Estas obras do final do século 13, estão situados na 3-4 peças e ter múltiplos textos cantados em simultâneo. Originalmente, a linha de tenor (do latim tenere , "para manter") realizou uma linha de canto litúrgico preexistência no latim original, enquanto o texto de um, dois, ou mesmo três vozes acima, chamou os organales voces , comentário fornecida no o tema litúrgico, quer em latim ou francês vernáculo. Os valores rítmicos das organales voces diminuiu à medida que as partes se multiplicaram, com o duplum (a parte de cima do tenor) com valores rítmicos menores do que o tenor, o triplum (a linha acima da duplum ) com valores rítmicos menores do que o duplum , e assim por no. Conforme o tempo passava, os textos das organales voces tornou-se cada vez mais secular na natureza e tinha conexão cada vez menos evidente ao texto litúrgico na linha de tenor. [ 46 ]
O moteto Petronian é um gênero muito complexo, dada a sua mistura de vários breves semibreve com modos rítmicos e às vezes (com freqüência cada vez maior) de substituição de canções seculares para cantar no tenor. Na verdade, cada vez maior complexidade rítmica seria uma característica fundamental do século 14, apesar de música na França, Itália, Inglaterra e levaria bastante caminhos diferentes durante esse tempo.
Cantigas de Santa Maria [ editar ]
Ver artigo principal: Cantigas de Santa Maria
O Cantigas de Santa Maria ("Cânticos de Santa Maria"; Português:  [kɐtiɣɐʒ ðɨ sɐtɐ mɐɾi.ɐ] , galego:  [kaŋtiɣaz de Santa maɾi.a] ) são 420 poemas com notação musical, escrita em galego-Português durante o reinado de Alfonso X El Sabio (1221-1284) e, muitas vezes atribuída a ele.
É uma das maiores coleções de monofônicos (Solo) canções dos Idade Média e é caracterizada pela menção da Virgem Maria em cada canção, enquanto todas as músicas décimo é um hino.
Os manuscritos que sobreviveram em quatro códices: dois em El Escorial , um no de Madrid Biblioteca Nacional , e um em Florença, Itália . Alguns têm colorido miniaturas mostrando pares de músicos tocando uma grande variedade de instrumentos .
Trovadores e trouveres [ editar ]
Ver artigo principal: Troubadour
A música dos trovadores e trouveres era uma tradição vernacular de música secular monofônico, provavelmente acompanhado por instrumentos, cantada por músicos profissionais, ocasionalmente itinerantes, que estavam tão habilidoso quanto poetas como eram cantores e instrumentistas. A linguagem dos trovadores foi Occitan (também conhecida como a langue d'oc , ou Provençal ); a linguagem dos trouveres era francês Old (também conhecido como langue d'óleo ). O período dos trovadores correspondeu ao florescimento da vida cultural em Provence , que durou até o século XII e na primeira década do décimo terceiro. Assuntos típicos de música trovadoresca foram guerra , cavalheirismo e amor cortês . O período dos trovadores acalmou após a Albigensian Crusade , a campanha feroz pelo Papa Inocêncio III para eliminar o Cátaros heresia (e desejo dos barões do norte de se apropriar da riqueza do sul). Trovadores sobreviventes foi, quer para Portugal , Espanha, Itália do norte ou norte da França (onde a tradição Trouvere viveu), onde suas habilidades e técnicas contribuíram para os desenvolvimentos posteriores da cultura musical secular nesses lugares.
A música dos trouveres foi semelhante à dos trovadores, mas foi capaz de sobreviver no século XIII não afetado pelo Albigensian Crusade. A maioria das mais de duas mil músicas Trouvere sobreviventes incluem música, e mostram uma sofisticação tão grande quanto a da poesia acompanha.
O minnesinger tradição era o germânico contrapartida para a atividade dos trovadores e trouveres a oeste. Infelizmente, poucas fontes de sobreviver a partir do momento; as fontes de Minnesang são na sua maioria a partir de dois ou três séculos após o pico do movimento, levando a alguma controvérsia sobre a sua exactidão. Entre os Minnesingers com sobrevivendo música são Wolfram von Eschenbach , Walther von der Vogelweide e Niedhart von Reuenthal .
Trovadorismo [ editar ]
Ver artigo principal: lírica galego-Português
Na Idade Média, Galego-Português era a língua usada em quase todos Iberia para a poesia lírica. A partir desta língua derivar tanto galega moderna e Português. A escola Galego-Português, que foi influenciado, em certa medida (principalmente em certos aspectos formais) pelos trovadores Occitan, é documentada pela primeira vez no final do século XII e durou até o meio do décimo quarto.
A primeira composição existente nesta escola é geralmente aceitou ser Ora Faz ost 'o senhor de Navarra pelo Português João Soares de Paiva, geralmente datada pouco antes ou depois de 1200. Os trovadores do movimento, para não ser confundido com os trovadores Occitan (que frequentava tribunais nas proximidades de Leão e Castela), escreveu quase inteiramente cantigas. Começando provavelmente em meados do século XIII, essas músicas, conhecidas também como cantares ou trovas, começaram a ser compilados em coleções conhecidas como cancioneiros (songbooks). Três dessas antologias são conhecidos: o Cancioneiro da Ajuda, o Cancioneiro Colocci-Brancuti (ou Cancioneiro da Biblioteca Nacional de Lisboa), e o Cancioneiro da Vaticana. Além destes, há a valiosa colecção de mais de 400 cantigas galego-Portugues no Cantigas de Santa Maria, que a tradição atribui a Alfonso X.
As cantigas galego-portuguesas podem ser divididos em três gêneros básicos: poesia de amor com voz de homens, chamados cantigas de amor (ou cantigas d'amor) do sexo feminino com voz de poesia de amor, chamado cantigas de amigo (cantigas d'amigo); e poesia de insulto e escárnio chamado cantigas d'escarnho e de mal Dizer. Todos os três são gêneros lírico no sentido técnico que eram canções estróficos tanto com acompanhamento musical ou a introdução em um instrumento de cordas. Mas todos os três gêneros também têm elementos dramáticos, levando primeiros estudiosos a caracterizá-los como lírico-dramático.
As origens do cantigas d'amor são geralmente atribuída a Provençal e poesia lírica francesa velha, mas formalmente e retoricamente eles são bastante diferentes. O cantigas d'amigo, provavelmente, estão enraizados em uma tradição canção nativa (Lang, 1894, Michaëlis 1904), embora esta visão tem sido contestada. O cantigas d'escarnho e maldizer pode também (de acordo com Lang) tem profundas raízes locais. Os dois últimos gêneros (totalizando cerca de 900 textos) fazer o galego-Português lyric único em todo o panorama da poesia medieval romance.
Trovadores com melodias sobreviventes
Aimeric de Belenoi
Aimeric de Peguilhan
Aires Nunes
Albertet de Sestaro
Arnaut Daniel
Arnaut de Maruoill
Beatritz de Dia
Bérenguier de Palazol
Bernart de Ventadorn
Bertran de Born
Blacasset
Cadenet
Daude de Pradas
Denis de Portugal
Folquet de Marselha
Gaucelm Faidit
Gui d'Ussel
Guilhem Ademar
Guilhem Augier Novella
Guilhem Magret
Guilhem de Saint Leidier
Guiraut de Bornelh
Guiraut d'Espanha
Guiraut Riquier
Jaufré Rudel
João Soares de Paiva
João Zorro
Jordan Bonel
Marcabru
Martín Codax
Monge de Montaudon
Peire d'Alvernhe
Peire Cardenal
Peire Raimon de Tolosa
Peire Vidal
Peirol
Perdigon
Pistoleta
Pons d'Ortaffa
Pons de Capduoill
Raimbaut d'Aurenga
Raimbaut de Vaqueiras
Raimon Jordan
Raimon de Miraval
Rigaut de Berbezilh
Uc Brunet
Uc de Saint Circ
William IX de Aquitânia
Compositores da era medieval alta e tarde

Música medieval tardio (1300-1400) [ editar ]
França: Ars nova [ editar ]
Ver artigo principal: Ars Nova
O início do Ars Nova é uma das poucas divisões cronológicas limpas em música medieval, uma vez que corresponde à publicação do Roman de Fauvel , uma enorme compilação de poesia e música, em 1310 e 1314. O Roman de Fauvel é uma sátira sobre abusos na igreja medieval, e está cheia de motetos medievais, lais , Rondeaux e outras novas formas seculares. Enquanto a maioria das músicas é anônimo, que contém várias peças de Philippe de Vitry , um dos primeiros compositores do isorrítmica moteto, um desenvolvimento que distingue o século XIV. O moteto isorrítmica foi aperfeiçoado por Guillaume de Machaut , o melhor compositor da época.
Durante o Ars nova era, música secular adquiriu uma sofisticação polifônico encontrada anteriormente apenas em música sacra, um desenvolvimento não é surpreendente considerando o caráter secular do início do Renascimento (enquanto essa música é normalmente considerado "medieval", as forças sociais que o produziu foram responsáveis para o início do Renascimento literária e artística na Itália-a distinção entre Idade Média e do Renascimento é uma borrada, especialmente considerando artes tão diferentes como a música ea pintura). O termo " Ars Nova "(nova arte, ou nova técnica) foi cunhado por Philippe de Vitry em seu tratado com esse nome (provavelmente escrito em 1322), a fim de distinguir a prática da música da época imediatamente anterior.
O gênero secular dominante do Ars Nova foi a chanson , como que vai continuar a estar na França por mais de dois séculos. Estas canções foram compostas em formas musicais correspondentes à poesia puseram, que estavam nos chamados formes correções de Rondeau , balada , e virelai . Estas formas afetou significativamente o desenvolvimento da estrutura musical de maneiras que são sentidas até hoje; por exemplo, o ouvert-clos rima-regime compartilhado por todos os três exigiu uma realização musical que contribuiu diretamente para a noção moderna de frases antecedentes e conseqüentes. Foi nesse período, também, em que começou a longa tradição de definir a massa comum. Esta tradição começou por volta de meados do século com as configurações isoladas ou pareadas de Kyries, Glorias, etc., mas Machaut composto que é pensado para ser a primeira missa completa concebida como uma composição. O mundo sonoro de Ars Nova música é muito mais um dos primazia linear e complexidade rítmica. Intervalos de "descanso" são a quinta e oitava, com terças e sextas considerados dissonâncias. Saltos de mais de um sexto em vozes individuais não são incomuns, levando à especulação de participação instrumental, pelo menos no desempenho secular.
Manuscritos sobreviventes franceses incluem o Ivrea Codex eo Codex Apt .
Para obter informações sobre compositores franceses específicas que escrevem na era medieval, ver Jehan de Lescurel , Philippe de Vitry , Guillaume de Machaut , Borlet , Solage , e François Andrieu .
Itália: Trecento [ editar ]
Ver artigo principal: Música do Trecento
A maioria das músicas de Ars nova era de origem francesa; no entanto, o termo é frequentemente frouxamente aplicadas a toda a música do século XIV, especialmente para incluir a música secular na Itália. Há este período foi muitas vezes referida como Trecento .
Música italiana tem sempre, ao que parece, foi conhecida por seu caráter lírico ou melódica, e isso remonta ao século 14 em muitos aspectos. Música secular italiana desta vez (o pouco sobreviver música litúrgica existe, é semelhante ao francês, com excepção para a notação um pouco diferente) apresentou o que tem sido chamado de cantalina estilo, com uma voz top florido apoiado por dois (ou até mesmo um; um justo quantidade de italiano Trecento música é para apenas duas vozes) que são mais regular e mais lento. Este tipo de textura permaneceu uma característica da música italiana nas populares gêneros seculares do século 15 e 16, bem como, e foi uma influência importante sobre o eventual desenvolvimento da textura trio que revolucionou a música no dia 17.
Havia três formas principais de obras seculares no Trecento. Uma delas foi a madrigal , não a mesma que a de 150-250 anos mais tarde, mas com uma verso / abster forma semelhante. Três-line estrofes, cada um com palavras diferentes, alternadas com uma de duas linhas ritornello , com o mesmo texto em cada aparição. Talvez possamos ver as sementes da posterior late-renascentista e barroco ritornello neste dispositivo; ele também retorna de novo e de novo, reconhecível de cada vez, em contraste com as suas seções díspares circundantes. Outra forma, o Caccia ("perseguição") foi escrito por duas vozes em um cânone na uníssono. Às vezes, essa forma também contou com um ritornello, que foi, ocasionalmente, também em estilo canônico. Normalmente, o nome do gênero desde um duplo significado, uma vez que os textos das Caccia eram principalmente sobre caças e atividades ao ar livre relacionadas, ou pelo menos cenas cheias de ação. A terceira forma principal foi o ballata , que era mais ou menos equivalente ao francês virelai .
Sobrevivendo manuscritos italianos incluem o Squarcialupi Codex eo Codex Rossi .
Para obter informações sobre compositores italianos específicos escrita na era medieval, ver Francesco Landini , Gherardello da Firenze , Andrea da Firenze , Lorenzo da Firenze , Giovanni da Firenze (aka Giovanni da Cascia), Bartolino da Padova , Jacopo da Bologna , Donato da Cascia , Lorenzo Masini , Niccolò da Perugia , e Maestro Piero .
Alemanha: Geisslerlieder [ editar ]
Ver artigo principal: Geisslerlieder
O Geisslerlieder foram as músicas de peregrinação bandas de flagelantes , que procuravam apaziguar a ira de um Deus irado por música penitencial acompanhado de mortificação de seus corpos. Havia dois períodos separados de atividade de Geisslerlied: um em meados do século XIII, a partir do qual, infelizmente, não há música sobrevive (embora numerosas letras fazer); e outra de 1349, para o qual as palavras e música sobreviver intacto devido à atenção de um único sacerdote que escreveu sobre o movimento e registrou sua música. Este segundo período corresponde à propagação da Peste Negra na Europa, e os documentos de um dos eventos mais terríveis da história europeia. Ambos os períodos de atividade Geisslerlied eram principalmente na Alemanha.
Houve também polifonia de influência francesa escrita em áreas alemãs neste momento, mas foi um pouco menos sofisticado do que seus modelos. Para ser justo com os compositores em sua maioria anônimos deste repertório, no entanto, a maioria dos manuscritos sobreviventes parecem ter sido copiadas com extrema incompetência, e estão cheios de erros que fazem uma avaliação realmente exaustiva da qualidade da música impossível.
Maneirismo e Ars subtilior [ editar ]
Ver artigo principal: Ars Subtilior

O chanson Belle, bonne, sage por Baude Cordier , um Ars subtilior peça incluída no Chantilly Codex
Como muitas vezes visto no final de qualquer era musical, o fim da era medieval é marcado por um estilo altamente manneristic conhecido como Ars Subtilior . De certa forma, esta foi uma tentativa de fundir os estilos franceses e italianos. Esta música foi altamente estilizado, com uma complexidade rítmica que não foi acompanhada até o século 20. Na verdade, não só foi a complexidade rítmica desse repertório em grande parte inigualável durante séculos cinco anos e meio, com síncopes extremos, malandragem mensural, e até mesmo exemplos de augenmusik (como uma chanson por Baude Cordier escrito à mão em forma de um coração), mas também o seu material de melodia foi bastante complexa, bem como, em particular, na sua interacção com as estruturas rítmicas. Já discutidos sob Ars Nova tem sido a prática de isorhythm, que continuou a desenvolver-se através do final do século e de fato não atingiu o seu mais alto grau de sofisticação até o início do século 15. Em vez de usar técnicas isorrítmica em uma ou duas vozes, ou trocá-las entre as vozes, algumas obras veio a apresentar uma textura isorrítmica penetrante que rivaliza com o serialismo integral do século 20, na sua ordenação sistemática dos elementos rítmicos e tonais. O termo "maneirismo" foi aplicado por estudiosos posteriores, como muitas vezes é, em resposta a uma impressão de sofisticação sendo praticado por si mesma, uma doença que alguns autores se sentiram infectou os Ars Subtilior .
Uma das fontes mais importantes existentes de canções Ars subtilior é o Chantilly Codex .
Para obter informações sobre compositores específicos escrever música em Ars subtilior estilo, ver Anthonello de Caserta , Philippus de Caserta (aka Philipoctus de Caserta), Johannes Ciconia , Matteo da Perugia , Lorenzo da Firenze , Careta , Jacob Senleches e Baude Cordier .
A transição para o Renascimento [ editar ]
Demarcando o fim da era medieval e início do Renascimento, no que diz respeito à composição da música, é difícil. Enquanto a música do século XIV é bastante obviamente medieval na concepção, a música do início do século XV, é muitas vezes concebida como pertencente a um período de transição, não só mantendo alguns dos ideais do final da Idade Média (como um tipo de escrita polifônica em que as peças são muito diferentes uns dos outros em caráter, como cada um tem sua função específica textural), mas também mostrando alguns dos traços característicos do Renascimento (como o estilo internacional em desenvolvimento por meio da difusão de músicos Franco-Flamenga em toda a Europa, e em termos de textura uma igualdade crescente de peças).
Historiadores da música não concordam sobre quando a era do renascimento começou, mas a maioria dos historiadores concorda que a Inglaterra ainda era uma sociedade medieval no início do século XV (ver questões de periodização da Idade Média). Embora não haja consenso, 1400 é um marcador útil, porque foi nessa época que a Renascença entrou em pleno andamento na Itália .
A crescente dependência do intervalo do terceiro como uma consonância é uma das características mais pronunciadas de transição para o Renascimento. Polyphony, em uso desde o século 12, tornou-se cada vez mais elaborada, com vozes altamente independentes ao longo do século 14. Com John Dunstaple e outros compositores ingleses, em parte através da técnica local do faburden (um processo de improvisação em que a melodia do canto e uma parte escrita predominantemente em sextas paralelas acima dela são ornamentados por uma cantada em quartas perfeitas abaixo o último, e que mais tarde levou segure no continente como "fauxbordon"), o intervalo do terceiro surge como um importante desenvolvimento musical; por causa dessa Contenance Angloise ("semblante Inglês"), música 'Inglês compositores é frequentemente considerado como o primeiro a soar menos bizarra ao moderno, o público não escolarizados. Tendências estilísticas Inglês, neste contexto, tinha vindo a ser concretizadas e começou a influenciar compositores continentais, já em 1420, como pode ser visto nas obras do jovem Dufay , entre outros. Enquanto as Guerra dos Cem Anos continuou, Inglês nobres, os exércitos, as suas capelas e comitivas e, portanto, alguns dos seus compositores, viajou na França e realizou sua música lá; ele também deve, naturalmente, ser lembrado que o Inglês porções do norte da França controlado neste momento.
Manuscritos inglês incluem os fragmentos de Worcester , a Old St. Andrews Music Book, o Old Hall Manuscrito , e Egerton Manuscrito.
Para obter informações sobre compositores específicos que são considerados de transição entre o medieval e do Renascimento, consulte Zacara da Teramo , Paolo da Firenze , Giovanni Mazzuoli , Antonio da Cividale , Antonius Romanus , Bartolomeo da Bologna , Roy Henry , Arnold de Lantins , Leonel de Energia e John Dunstaple .
Estudo e formação profissional [ editar ]
A Schola Cantorum Basiliensis , universidade de música antiga em Basel , Suíça , oferece o único curso em tempo integral estudo prático para a música da Idade Média. A formação profissional de dois anos para os músicos é oferecido na academia Burg Fürsteneck na Alemanha . Especialista Distinguished Kees Boeke coordena um novo Master of Música- Musik und des Mittelalters des Renaissance para ambos os cantores e instrumentistas na Staatliche Hochschule für Musik Trossingen , também na Alemanha.
Influência na música contemporânea [ editar ]
Léonin e Pérotin ter influenciado minimalistas [ 47 ] compositores como Steve Reich [ 48 ] [ 49 ] e La Monte Young .




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